20 Giugno 2020 | Potevo farlo anch'io
In un afoso giorno di primavera newyorkese si è spento Christo, artista fondamentale nella scena dell’arte contemporanea degli ultimi cinquant’anni, e l’articolo di questo mese non poteva non parlare di una così importante figura.
Christo nasce nel 1935 in Bulgaria e non appena conclusi gli studi all’Academia di Sofia inizia a viaggiare. Le sue sono avventure che lo portano in tutta Europa e che gli permettono di incontrare Jeanne-Claude, anima gemella a cui fui legato fino alla prematura scomparsa del 2009.
Christo fu un importante esponente della land art, ovvero di quell’arte che opera sul paesaggio lasciando importanti tracce del passaggio dell’artista. Si tratta di un’arte alla quale non ci si può sottrarre perché proprio come l’architettura è lì di fronte a noi pronta a farsi ammirare.
Le opere realizzate dall’artista negli anni sono moltissime, ma oggi mi preme ricordare un intervento inserito nella rassegna “Contemporanea, 1973”. Si tratta di un’importantissima mostra che permise il primo incontro tra arti visive, cinema, teatro e musica, e nell’ambiti della quale Christo operò impacchettando Porta Pinciana. Sì, avete letto bene, per 40 giorni dal febbraio al marzo 1974 la porta ed un tratto di 250 metri delle Mura Aureliane fu avvolto con del polipropilene e della corda arancione al fine di ricoprirne interamente entrambe i lati, la cima e l’interno delle arcate.
Il progetto fu confezionato da Christo con l’aiuto di Jeanne-Claude e la realizzazione richiese l’impiego di quaranta operai edili al lavoro per quattro giorni consecutivi.
L’opera provocò reazioni di entusiasmo e il critico d’arte Achille Bonito Oliva ricorda così quest’operazione “Impacchettare Porta Pinciana per Christo ha significato proteggerla con la forza generatrice dell’arte, poiché il pubblico, grazie all’artista, è stato stimolato e massaggiato, d’altronde in una città come Roma così piena di capolavori antichi era doveroso bucare la disattenzione collettiva per evidenziare un’architettura straordinaria, capace di resistere al tempo”.
Ma quella di Porta Pinciana e solo una delle numerose istallazioni in larga scala che l’artista e la compagna di vita portarono avanti negli anni. Tra il 1975 e il 1985 fu il turno del “The Pont Neuf Wrapped” di Parigi, seguito dal Wrapped Reichstag a Berlino e dai celebri Floating Piers sul lago d’Iseo.
Ma sarà proprio una finale azione di “imballaggio” a marcare il congedo dell’artista dalla scena contemporanea. É prevista infatti per settembre 2020 la realizzazione dell’ultimo progetto a cui l’artista ha lungamente lavorato fino a poco prima di morire: “L’arc du Thriomphe Wrapped” a Parigi.
“La bellezza, la scienza e l’arte trionferanno sempre” queste le parole piene di speranza che l’artista aveva scritto in una lettera del 1958. Un auspicio per il futuro ed una sintesi della sua poetica.
24 Maggio 2020 | Potevo farlo anch'io
Edward Hopper – “Nighthawks”
Arte e letteratura. Due discipline che corrono come rette parallele e che ad intervalli regolari, scardinando ogni principio geometrico, si incontrano. La loro unione è da sempre simbolo di potenza, rivoluzione. Un qualcosa di eccezionale insomma, che testimonia la convergenza di idee, posizioni di artisti e scrittori di ogni epoca.
È questo il caso di Ernest Hemingway e Edward Hopper. Il primo noto scrittore e giornalista americano, autore di numerosi romanzi e racconti; il secondo artista, esponente del realismo americano.
Leggendo un racconto dello scrittore “Un posto pulito, illuminato bene”, si forma nella mente del lettore l’immagine di una caffetteria in piena notte, la cui atmosfera molto intima, ma solitaria, ricorda qualcosa di già visto. Ma qual’è l’immagine familiare che si nasconde tra quelle righe? ll più famoso quadro di Hopper “Nighthawks”.
Il racconto di Hemingway e il quadro si arricchiscono vicendevolmente. Ambientato in una caffetteria il racconto ci restituisce la descrizione di un uomo solo, quello che nell’opera di Hopper vediamo rappresentato di schiena, mentre si attarda nel locale ormai vuoto in compagnia di un caffè.
Alcuni critici hanno visto in molte opere di Hopper un completamento di quegli scenari urbani che affollano le pagine dallo scrittore. Ciò che li accumuna è l’attenzione alla forma e alla semplicità. Qualità che permisero ad entrambi di rendere epica ed interessante la quotidianità della vita nelle loro opere. Vite che, in una tarda sera autunnale, nel chiarore notturno di un bar, si accompagnano con un caffè.
Hopper fu appassionato lettore di Hemingway e pur non condividendone a pieno le idee, commentò spesso e di buon grado i suoi testi. In una lettere del 1927, dopo aver letto l’ennesimo racconto dello scrittore su Scribner’s inviò una lettera al suo direttore per complimentarsi “per l’onestà e per l’assenza della sia pur minima traccia di compiacimento, assenza di indorature, nessun epilogo scontato, e verità e verosimiglianza innanzitutto”.
21 Aprile 2020 | Potevo farlo anch'io
In questi mesi di estrema difficoltà dove un’emergenza epidemiologica inaspettata ci costringe a rimanere chiusi in casa, la nostra visuale sul mondo è di certo cambiata. Abituati a vite frenetiche, ad una costante corsa contro il tempo, sono pochi i momenti che nella normale quotidianità riusciamo a dedicare all’osservazione, alla riflessione. Ma quando tutto si ferma, quando non è più possibile muoversi nemmeno per una passeggiata, per un caffè con un amico o per una semplice giornata di lavoro, ecco che la nostra prospettiva cambia. Con molto più tempo a disposizione e con il desiderio di poter evadere anche solo per qualche minuto da quest’apparente “prigionia”, ci ritroviamo ad osservare dal vetro delle nostre finestre il mondo. Un mondo che certamente vediamo con occhi diversi, ma che fuori dalla nostra porta continua ad andare avanti nonostante tutto. È proprio a questa nuova visuale che ognuno di noi ha fuori dalla propria finestra che voglio dedicare questo articolo. Sono molti gli artisti che negli anni hanno lavorato a questo tema realizzando opere estremamente simili per l’intimità che sottintendono, ma diverse nello realizzazione.
“La fenêtre” di Pierre Bonnard è un opera del 1925, anno in cui l’artista viveva nel suo piccolo appartamento di La Cannet nelle Alpi Marittime. Attraverso la finestra si intravedono i tetti rossi delle case della piccola cittadina e gli alberi che occupano le sue strade. I colori del paesaggio sono molto vividi e luminosi quasi come se tutto là fuori risplendesse di luce propria. In primo piano Bonnard raffigura l’interno della stanza, il suo punto di vista: un tavolino sul quale si trova un libro dalla copertina rossa, “Marie” di Peter Nansen per il quale realizzerà alcune illustrazioni.
“Le coin de l’atelier” è un altra opera con soggetto un paesaggio francese. L’artista Madge Oliver la realizza tra il 1920 ed il 1924 dal piccolo studio che aveva ricavato in una delle stanze della dimora. Attraverso la piccola finestra vediamo un cortile fiorito, una siepe ed una bellissima casa sullo sfondo. La composizione calda ed avvolgente rimanda ad una dimensione di tranquillità, di pace. Il cielo limpido e di un azzurro intenso ricorda un luogo sicuro in cui quotidianamente trovare quotidianamente ispirazione.
In “La strada entra nella casa” Umberto Boccioni raffigura una donna di spalle che appoggiata alla ringhiera di un balcone osserva un mondo in movimento. Le case, i cantieri, le strade del dipinto sono sfalsate, distorte quasi come se la visione avvenisse per mezzo di un caleidoscopio. Affacciandosi al balcone la donna diventa complice del movimento esterno della città e partecipa alla vorticosa umanità che la anima. La tela rappresenta molto bene il pensiero futurista, a cui Boccioni aderì, per il quale “l’artista deve celebrare il movimento, la velocità, il dinamismo e tutto quanto rappresenta la forza e l’energia”.
Questi sono solo alcuni degli esempi di opere che cercano di mostrarci il mondo visto da una finestra, una visuale che nella sua banalità può in realtà essere molto espressiva. A volte ciò che vediamo ci trasmette calma, senso di pace e ci fa sentire protetti, altra volte affacciandoci sul mondo lo cogliamo in movimento e ne rimaniamo ammaliati, intrappolati nell’osservare una semplice macchina che attraversa la strada, un cane che corre in un giardino, un bambino che gioca; quella semplicità di cui spesso ci scordiamo.
24 Marzo 2020 | Potevo farlo anch'io
Nell’articolo di questo mese parleremo dello street-artist Ozmo, noto al secolo come Gionata Gesi. Dopo aver compiuto gli studi presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze e un esordio nel mondo del fumetto, l’artista si concentra sulla pittura e sul writing. Trasferitosi poi a Milano nel 2001, affianca al lavoro di gallerista una serie di operazioni nello spazio pubblico come Ozmo e, insieme a un piccolo gruppo di amici, getterà le basi per la Street Art italiana, di cui è uno degli indiscussi pionieri. Sempre a Milano firma interventi monumentali in centri sociali e spazi alternativi, tra cui il Leoncavallo, dove realizza una delle sue opere murali più famose. Sarà proprio quel lavoro qualche anno dopo a essere definito «la Cappella Sistina della contemporaneità».
Una delle sue opere più recenti e conosciute è Al suono delle trombe realizzata per la cittadina di Rieti. Artista che ha saputo muoversi tra i grandi musei, i centri sociali e le facciate dei quartieri metropolitani con iniziative indipendenti, istituzionali o per collaborazione con grossi brand, Ozmo non smette mai di sperimentare traendo ispirazione dalla storia estrapolandone miti e suggestioni, ricostruendo scene arcaiche secondo la propria maniera, non escludendo il pop e nemmeno la nostalgia, la solennità e la leggerezza. Nel guardare a questo ampio bacino di dei, eroi, ha realizzato per l’Agenzia Creativa The Uncommon Factory nella cittadina laziale di Rieti il primo murale mai realizzato in Italia sulla facciata di un tribunale. S’intitola Al suono delle trombe e incombe oggi su Piazza Bachelet, con tutta la monumentalità severa, eppure dinamica, dell’intreccio dei corpi e dei panneggi. Un racconto disteso sull’architettura lineare del novecentesco Palazzo di Giustizia, una modulazione solenne di bianchi, grigi, seppia, sapientemente non invasiva, senza contrasti aspri né arroganza. Il tema figurativo si aggancia al vuoto del piazzale e diventa piano cinematografico, pagina storica, avventura iconografica, teatro delle ombre e delle evocazioni. Il soggetto è una reinterpretazione di due tesori rietini intrecciati: Il Giudizio universale, affresco dei fratelli Torresani, gioiello dell’oratorio di San Pietro Martire, e il cinquecentesco Ratto delle Sabine del Giambologna, forse la più celebre interpretazione di una vicenda mitica, che appartiene alla tradizione del luogo.
Le figure centrali sono avvitate, colte in un movimento ascendente che racconta l’aggressione e il tentativo di fuga. Il dipinto simula la consistenza marmorea della statuaria classica e al contempo è in grado di restituire il senso del dramma con la grazia immateriale della pittura. Sul fondo squilli di trombe e il momento austero della lettura del Giudizio: porzioni dell’originale scena affrescata, privata del colore, mostrano schiere di angeli e santi, intenti a presiedere i destini dei probi e dei dannati. Terrore e invocazione si raccolgono in questo spazio che qui mescola il mito pagano e la scrittura biblica. Ciò nonostante è evidente il rimando necessario all’attualità: scorci di violenza e di sopraffazione, nella cronaca del delitto, e il tema eterno della giustizia.
Guardando alla realtà piemontese, l’artista è intervenuto anche a Torino con l’opera Il vaso di Tondalo collocata all’interno del SAMO di Torino dove ha realizzato una pittura per il progetto Urban Art Field Mani Sporche, rielaborando un’ immagine classica attraverso una contestualizzazione con l’attualità. L’intervento fa parte del più ampio progetto triennale di riqualificazione urbana ed ha come obiettivi principali quello di valorizzare il territorio e sensibilizzare l’opinione pubblica circa temi sociali e di attualità. Si tratta quindi di un percorso artistico culturale portato avanti dall’associazione culturale Alternative Karming con la collaborazione del comune di Chivasso, Libera – associazione nomi e numeri contro le mafie ed infine il centro artistico culturale SAMO Torino. Tema cardine del progetto è la lotta alla Mafia, e come l’arte urbana possa farsi propellente ideale per una interazione con il pubblico ed una discussione circa temi e spunti impegnati. Nelle opere di Ozmo è evidente che la totalità dei suoi interventi vivano in forte connubio con stimoli e temi appartenenti al luogo di lavoro. Nel suo processo pittorico accoglie le tradizioni, le cultura, i simboli e le immagini appartenenti ad un determinato ambiente, le personali sensazioni e suggestioni del momento, in un mix letale particolarmente acuto. L’opera in questione vede Ozmo ispirarsi ad una tavola rinascimentale, che a sua volta trae spunto dal poema La visione di Tondalo, in cui viene raccontato il viaggio onirico negli inferi di un cavaliere irlandese del XII secolo. Il male raccontato attraverso una visione allucinogena e direttamente legata alla realtà e quotidianità del nostro paese. Come sempre sono i particolari a suscitare interesse: nell’ambientazione sviluppata dall’autore vediamo una città avvolta nell’oscurità, a distanza si intravede la Mole Antonelliana in fiamme, creature e mostri che si divertono a terrorizzare ed infilzare uomini e donne. Tante le immagini rilevanti, dal giocatore seduto tra i dadi, al pigro steso nel letto con il suo smartphone, ad Eva con il serpente attorcigliato. Al centro dell’opera, un grande volto raffigurante un uomo, al pari di un montagna: questo viso si erge su tutta l’opera, mentre dalle narici perde contanti e pillole.
Artista contemporaneo che fa continuo riferimento alla grande tradizione artistica italiana, Ozmo è un importante esponente della Street Art internazionale made in Italy.
19 Gennaio 2020 | Potevo farlo anch'io
Nell’articolo precedente abbiamo parlato dell’artista viennese Klimt, oggi invece tratteremo del suo più promettente allievo Egon Schiele.
Nato a Tulln, piccola cittadina austriaca nei pressi di Vienna, in una stazione ferroviaria nel 1890, fin dall’infanzia la vita di Egon è resa difficile dal progredire della malattia mentale del padre. Un’esperienza traumatica quest’ultima che lascerà nel giovane profonde ferite ed un’idea di mondo fosca e estremamente malinconica. Quella stessa visione che convoglia poi a pieno nelle sue opere.
Il 1905, anno della morte del padre, segna per Egon una svolta a livello artistico. La sua tutela passa nelle mani del ricco zio Leopold Czinaczek che ne coglie il talento e finanzia i suoi studi presso l’Accademia di Belle Arti di Vienna, dove le materie di interesse sono pittura e disegno. Oppresso dai rigidi canoni accademici, il giovane artista inizia a ricercare ispirazione e modelli al di fuori della scuola, nei café viennesi, ed è proprio in questo ambiente che si forma il vero Schiele. Nel 1907 al Café Museum incontra colui che rivoluzionerà il suo modo di fare arte: Gustav Klimt, maggior rappresentante della secessione viennese.
In questo periodo l’artista abbandona le rigide impostazioni scolastiche, e portando il suo cavalletto all’aperto inizia a dipingere la natura e soprattutto ritratti.
Questi ultimi rappresentano la parte più consistente e genuina della sua produzione.
Espressionista, accompagna immagini di corpi contorti, deformati, dai volti cupi dei suoi amici con un’introspezione psicologica che si riflette sui colori utilizzati. Questa necessità di dotare i lavori dalle linee taglienti ed incisive di un elemento aggiuntivo, quello della sensibilità, del mondo dei sentimenti è reso possibile solo dall’incontro diretto dell’artista con i suoi soggetti. Schiele impara a conoscere i propri modelli, con i quali stabilisce rapporti di amicizia e non solo, arriva a scoprire le loro paure, i loro problemi e stati d’animo, cambiandone di volta in volta la rappresentazione sulla tela. Per arrivare ad una restituzione sempre più precisa e reale si allena costantemente realizzando autoritratti. Essi costituiscono la parte più consistente del suo corpus di opere, vasto anche se l’artista morí precocemente all’età di 28 anni.
L’autoritratto, che da sempre accompagna tutta la produzione di ciascun pittore, perde in questi anni e in particolare modo con Schiele la sua funzione auto celebrativa e acquista contrariamente quella di specchio dell’interiorità. In essi si riflette tutto il disappunto, il senso di fallimento e inadeguatezza dell’artista che spesso si rappresenta nudo, con un corpo pieno di ferite che testimoniano una conflittuale lacerazione interiore oltre che una provocazione.
Egli dunque, attraverso opere accompagnate da una duplice pulsione di vita e di morte, getta in faccia ai propri contemporanei i fantasmi della sua mente, che sono poi quelli dell’uomo contemporaneo: impotente e sopraffatto dalla perdita di se stesso.
